Grupo 3

Grupo 3: Patrcia, Isabel, Irene C., Irene T., Lorena y Carlota D. 

Página web

Rococó (Lorena Martínez Aliaga)

El columpio

AUTOR: Jean-Honore Frangonard

TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
ESTILO: Rococó

AÑO: 1767

Los felices azares del columpio (en francés, Les hasards heureux de l’escarpolette), o, simplemente, El columpio (L'Escarpolette), también conocido en inglés como The Swing, es un cuadro del artista rococó francés Jean Honoré Fragonard, realizado en 1767. Es una pintura al óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 81 centímetros de alto por 65 cm. de ancho. Se conserva en la Colección Wallace de Londres (Reino Unido).

Un rico barón encargó este cuadro a Fragonard, como homenaje a su amante. Se cuenta que inicialmente el encargo era para François Boucher, quien lo rechazó por su atrevimiento. Se ha convertido en el símbolo de toda una época, el Rococó, por su refinamiento y sensualidad.

Representa una escena galante en un ambiente idílico. Una joven se balancea en el columpio que empuja un hombre mayor (seguramente su marido) mientras que abajo, a la izquierda, aparece un joven que mira debajo de su falda. El marido queda relegado a la sombra, mientras que el joven (amante de la mujer) luce en primer plano, entre vegetación y flores.

Neoclasicismo (Irene Carmona Fernandéz)

El baño turco:

PERIODO: Neoclasicismo.

AUTOR: Dominique Ingres.

AÑO DE CREACIÓN: 1862.

TÉCNICA: Óleo sobre lienzo.

El baño turco es un cuadro de Dominique Ingres. Esta obra orientalista representa un grupo de mujeres desnudas en un harén. El erotismo del cuadro es suave y no provoca gran escándalo ni lo hizo en su época, a diferencia de otros del mismo género, como el Déjeuner sur l´herbe de Édouard Manet (1863). Pero durante mucho tiempo perteneció a colecciones privadas y no se exhibió de manera continuada hasta el siglo XX. Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de París, Francia, donde se exhibe con el título de Le Bain turc. Está considerada como la obra maestra de los últimos años de Ingres. Es ya un anciano el que firma el cuadro erótico en 1862, no sin una cierta malicia, ya que él lo inscribe con orgullo AETATIS LXXXII. Este obra es un encargo hecho alrededor de 1848 por un pariente de Napoleón III, quien poco después de adquirirlo se lo devolvió al pintor, porque su mujer lo encontraba “poco conveniente”. El pintor siguió trabajando en su obra hasta 1863, incluso después de que él mismo lo datara en 1862.

Romanticismo (Patricia Fuentes Muñoz)

Familia de Carlos IV

PERIODO: Romanticismo

AUTOR: Francisco de Goya

FECHA DE CREACIÓN: 1800–1801

TÉCNICA: Óleo sobre lienzo

La familia de Carlos IV es un retrato colectivo pintado en 1800 por Francisco de Goya. Se conserva en el Museo del Prado de Madrid.

Goya comenzó a trabajar en los bocetos (de los que el Prado conserva cinco) en la primavera de 1800. La versión definitiva la pintó entre julio de 1800 y junio de 1801, enviando la cuenta en diciembre de 1801. Perteneció a las colecciones privadas del Palacio Real de Madrid, donde aparece en el inventario de 1814. Pasó a formar parte del recién fundado Museo del Prado en 1824, por orden del rey Fernando VII, quien aparece retratado en el cuadro

Desde 1942 aparece en el listado de obras del museo (publicado con cierto retraso), realizado por Francisco Javier Sánchez Cantón, entonces subdirector del Prado.

La obra es un compendio de la amplia labor como retratista desempeñada por Goya a la vez que una de sus composiciones más complejas, cuyos antecedentes se encuentran en otros dos retratos colectivos como La familia de Felipe V.

Goya revela su maestría en cada detalle del cuadro tanto por el dominio formal de la luz como por la sutil definición de las personalidades, acentuada por la reducción de las referencias espaciales, subrayándose de este modo la capacidad del artista de Fuendetodos para analizar a sus retratados.

Realismo (Carlota Doren Fernandéz)

Vagon de tercera clase de Honoré Daumier

AUTOR: Honoré Daumier

ESTILO: Realismo

FECHA DE CREACIÓN: 1862-1864

Se trata de una acuarela que en la actualidad se conserva en el Metropolitan Museum de Nueva York.

Es una pintura muy típica del momento en el que su pintor la realizó, un autor adscrito al movimiento de la pintura realista. Y de hecho, Daumier es uno de los máximos representantes de esta corriente pictórica, y esta es una de sus obras más emblemáticas.

El vagón de tercera

Cuando él la expuso, produjo cierta polémica en los círculos artísticos parisinos, ya que la obra representa una escena en un vagón de ferrocarril repleto de gente con escasos recursos, pero en cambio el autor dota a la pintura del tono propio de la pintura que representaba temas más altos, más grandilocuentes. Y por lo tanto, el escándalo se debía a que plasmaba del mismo modo un tema de tercera (incluso la expresión la Probablemente es la obra más recordada del artista, en la que retrata a una mujer, también es conocida con el título "Mujer con sombrilla". El cuadro fue pintado en la ciudad de Promenade, año 1875. Se dice que es un retrato doble, de la esposa y el hijo del artista.

incluye en el título de la obra) que si hubiera pintado una escena de primera, digamos de tema más noble.

Evidentemente su ideología era la propia de una persona de izquierdas, y esto queda patente en multitud de sus obras, donde las clases más pobres y trabajadoras son las protagonistas. Y en muchas ocasiones, los historiadores del arte consideran sus imágenes una verdadera crónica, casi periodística, de su tiempo.

La escena que representa esta obra es un claro ejemplo de ello. Presenta como las masas se apiñan en los trenes, y con ello da la idea de alienación. Cada personaje viaja embebido en sus propios pensamientos, sin preocuparse uno de otro, todos amontonados, pero al mismo tiempo aislados entre sí.

Impresionismo (Isabel Soriano Gracia)

El Paseo

AUTOR: Claude Monet

ESTILO: Impresionismo

TÍTULO ORIGINAL: La Promenade

TÍTULO (INGLÉS): Woman with a Parasol

TIPO: Cuadro

TÉCNICA: Óleo sobre tela

SOPORTE: Lienzo

AÑO: 1871

Se encuentra en: National Gallery of Art, Washington

Postimpresionismo (Irene Tallón González)

Los Girasoles

AUTOR: Vincent Van Gogh
TEMA: Los girasoles, la obsesión

PERIODO: Postimpresionismo

FECHA DE CREACIÓN: 1888-1889

 “Jarrón con doce girasoles” 

Introducción

 La historia de la saga de los giraosles se remonta a una mañana de 1888 cuando Van Gogh se encontraba viviendo en su casa amarilla de Arles y el mistral soplaba con mucha fuerza. Se vió obligado a trabajar en el interior de su casa, para concentrarse en pintar los tradicionales bodegones florales holandeses. Pero al final de la semana, en un ataque de vigor, ya había completado 4 pinturas sobre su tema. Se trataba de una colección resplandeciente en oro y en color amarillo. Y así continuó hasta que completó 7 versiones del mismo cuadro, un jarrón con girasoles.

Si empezamos a mirar todas estas versiones, veremos como los colores son vibrantes y expresan emociones asociados con la vida de los girasoles. Se presenta todas las etapas de los girasoles: los amarillos van desde los brillantes a los morenos áridos de mustio y muerte. Aunque los cuadros de la serie son similares, no son idénticos y ademas de diferenciarse en el número de girasoles y en algunas tonalidades, también se diferencian por mostrar todas las etapas de la vida de las plantas. Desde girasoles en flor hasta girasoles marchitándose.  

• Autor: Vincent Van Gogh

• Cronología: 1888-9 (Siglo XIX)

• Estilo: Postimpresionismo

• Técnica: Óleo sobre lienzo

Análisis Iconográfico

Los girasoles (zonnebloemen, en neerlandés) son una serie de obras realizadas por el pintor holandés Vincent Willem Van Gogh alrededor de los años 1888 y 1889, y creados durante su estancia en Arlés (sur de Francia). En total, contamos con siete cuadros de similar temática, compuestos por una serie de girasoles dentro de diversos jarrones. 

Vincent Van Gogh llega a Arlés el 21 de febrero de 1888, luego de abandonar la bulliciosa capital francesa que lo acogió durante dos años. Es quizás esta etapa la más fructífera de su carrera, aunque también la más sombría para su salud mental. Van Gogh comenzará sus obras a fines del agosto de 1888, continuando los girasoles durante el año siguiente.

  Los girasoles que plasma Van Gogh en sus cuadros, muestran la evolución de los mismos desde que están plenamente en flor, hasta que mueren marchitos. En estos siete cuadros se han utilizado distintas tonalidades, entre las que encontramos ocres, amarillos, naranjas y marrones. 

Aquí el pintor sigue su estela de pincelada habitual, en pequeños toques yuxtapuestos, que crean volumen, dando además, fuerza y vida a la escena. El fondo escogido se mueve en tonalidades oscuras, verdosas y azuladas; con el fin de resaltar los colores de los distintos girasoles.

Para Van Gogh, el color amarillo viene rodeado de un gran simbolismo, que nace de su mundo interior, y que representa la vida misma, el calor y la luz. El tono exacto utilizado es el amarillo de cromo o cromato de plomo, que al descomponerse debido a la exposición de la luz, acabaría convirtiéndose en un tono verdoso pardo. Es tan fuerte por lo tanto, el color en sus obras, que acaba acaparando toda la atención del espectador, dejando de lado la escena física o lo representado. A esto se suma, la ocasional puntualización de los contornos, que añaden más fuerza o violencia a los diferentes girasoles. 

De los ya nombrados siete cuadros, encontramos tres obras que contienen catorce girasoles; otras dos con doce girasoles; una de ellas con cinco, y finalmente, una obra con tres únicos girasoles. Bastante sencillos son además, los jarrones que sostienen las mencionadas flores, habiendo usado en ellos, la misma tonalidad que en los pétalos, quizás para no desviar la atención del observador.  

La crítica nos relaciona esta serie floral con su estrecha amistad con el también pintor postimpresionista y parisino, Paul Gauguin. Parece ser que escoge estas obras para adornar su propia casa, y para satisfacer a su antes mencionado amigos (el color amarillo es un exponente significativo en sus obras). La elección fue también obra de la influencia del paisaje mediterráneo francés, que el pintor holandés observaba con asiduidad. Conservamos además, un retrato realizado por Gauguin en el que se observa a Van Gogh realizando los girasoles (Museo Van Gogh, Ámsterdam, Paises Bajos). 

También contamos con varias obras de la misma temática, pero sin el habitual jarrón que las cubre. Son cuadros realizados durante su estancia en París, entre agosto y septiembre de 1887. En estos antecedentes, observamos unos girasoles de fuertes tonalidades, con unos pétalos marchitos en casi su totalidad. 



ABP Arte Grupo 3.pdf

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